Susan Burnstine est un photographe d’art, conservateur, écrivain et éducateur primé, originaire de Chicago et maintenant basé à Los Angeles. Susan est représentée dans des galeries du monde entier, a publié de nombreux articles dans le monde entier et a également écrit pour plusieurs magazines de photographie, dont une chronique mensuelle pour Black & White Photography (Royaume-Uni). Susan a eu plus de 35 expositions personnelles à l’échelle internationale, son travail est conservé dans de nombreux musées et collections privées et elle a eu deux monographies primées. Son premier, “Dans l’ombre” (Charta Editions, 2011), a remporté le prix d’or PX3 Prix De La Photographie Paris dans la catégorie Livres d’art professionnels, une médaille de bronze au classement général et a également été présélectionné pour le prix Photo Eye Booklist 2011. La deuxième monographie de Susan, « Absence d’être » (Damiani Editore, 2016) a remporté le prix Best In Show aux International PhotoBook Awards 2017.
Site Web : http://www.susanburnstine.com
Instagram et fils de discussion : @susanburnstine
Facebook : https://www.facebook.com/susanburnstinephoto
Black + White Photography Magazine (Royaume-Uni) : https://www.gmcsubscriptions.com/product/blackwhite-photography/
Patricia Lanza : Comment les traumatismes de l’enfance ont-ils affecté votre parcours pour devenir photographe, et spécifiquement développé votre vision unique ?
Susan Burnstine : À la suite d’un traumatisme dévastateur à l’âge de six ans, j’ai développé de graves terreurs nocturnes, dont les résultats sont restés inconsciemment avec moi pendant des jours. Souvent, je voyais une image ou un symbole dans ma vie éveillée, mais je ne savais pas si c’était quelque chose de réel ou si c’était mes rêves, j’avais un pied dans la réalité quotidienne et l’autre dans la résonance de mon monde onirique. Très tôt, ma mère a trouvé un moyen pour moi de gérer la confusion. Elle m’a appris à recréer les rêves que j’ai faits la nuit précédente en les traduisant à travers une forme d’art. Je me réveillais et elle me tendait un pinceau, un carnet de croquis, un morceau d’argile ou tout autre outil créatif qui m’attirait pour que je puisse travailler et raconter mes expériences à travers l’art. Le processus m’a énormément aidé et est devenu l’approche fondamentale dans la façon dont je crée mon travail personnel.
Avance rapide jusqu’à la trentaine. Ma mère a été tragiquement tuée et mes terreurs nocturnes sont revenues, ce qui était inhabituel pour un adulte. J’avais besoin d’un moyen de m’en sortir, alors j’ai appliqué ce que ma mère m’avait appris et j’ai commencé à réinterpréter mes rêves avec la forme d’expression que j’avais choisie, la photographie. J’ai essayé de recréer l’apparence de mon monde inconscient via tous les types d’appareils photo connus de l’humanité : 35 mm, moyen format, grand format en plus de toutes les méthodes d’impression alternatives, mais rien n’a fonctionné. a travaillé. Frustré, je me suis tourné vers mon père pour obtenir des conseils. Ayant été inventeur et ingénieur à un moment de sa vie, il m’a suggéré avec désinvolture de fabriquer mon propre appareil photo. Au début, l’idée semblait folle, mais j’ai accepté son défi et créé mon premier prototype en 2005 ; environ un an après le démarrage du projet. À ce jour, j’ai créé 24 appareils photo et objectifs faits maison, tous similaires techniquement, mais avec leurs propres qualités particulières.
PL : Quel est votre processus créatif dans la création d’images ?
SB : Mon processus créatif est extrêmement intuitif et non planifié. Mon processus de travail en noir et blanc impliquait de tenir un journal sur les terreurs nocturnes vécues la nuit précédente, puis de sortir et de photographier. J’avais l’habitude de me promener jusqu’à ce que quelque chose attire mon attention. Le sujet transmettrait un symbole ou une métaphore représenté dans un rêve que j’avais fait la nuit précédente.
Le processus pour mes images couleur dans Where Shadows Cease est similaire, mais différent. Jusqu’en 2016, je me souvenais de tous mes rêves en noir et blanc, il était donc logique d’interpréter et d’imprimer les images de la même manière. Après un changement bouleversant dans notre pays en 2016, j’ai commencé à me souvenir des couleurs dans mes rêves pour la première fois de ma vie. Les raisons de ce changement sont inconnues, mais si je devais deviner, je pense que c’est parce que j’ai toujours vu le monde en noir et blanc, ce qui le rendait plus conforme à ce que je percevais comme la réalité. La couleur est devenue une évasion de la réalité après que mon pays d’origine, l’Amérique, ait été divisée par tant de factions, ce qui est devenu une nouvelle Source de traumatisme pour moi. Puisque j’interprète traditionnellement ce que je vis dans les rêves, la conclusion logique était de commencer à photographier en couleur pour communiquer avec précision le paysage visuel de mon existence inconsciente.
PL : Discutez de votre technique utilisant le film et des procédés spéciaux pour créer des œuvres photographiques oniriques ? Pouvez-vous décrire comment vous fabriquez vos appareils photo spéciaux ?
SB : Je voulais recréer authentiquement la façon dont je « vois » le monde à travers mon propre objectif subconscient. Les caméras conventionnelles préfabriquées ne pouvaient tout simplement pas imiter ma vision. À un moment donné, j’ai joué avec la photographie avec un appareil photo jouet parce que leur pictorialisme onirique était au départ intriguant. J’ai aimé l’apparence et le style de ces appareils photo rudimentaires en plastique, mais ils étaient limités, alors j’ai commencé à les démonter pièce par pièce et à les modifier pour prendre des gros plans, des téléobjectifs, etc. Peu de temps après, j’ai commencé à reconstruire ces appareils photo dans le approche inverse. Le processus m’a appris à créer un appareil photo rudimentaire, ce qui m’a catapulté dans la construction de mon premier prototype d’appareil photo et d’objectif fait maison, construit à partir d’articles ménagers aléatoires, de quelques pièces d’appareil photo vintage, en plastique moulé et en caoutchouc. Les prototypes ultérieurs d’appareils photo et d’objectifs sont devenus 100 % faits maison.
Mes appareils photo n’ont qu’une à trois vitesses d’obturation, une ouverture et se cassent fréquemment car ils sont principalement maintenus ensemble par de la colle et du ruban photo. Le fait de devoir contourner ces limitations m’a obligé à apprendre à exploiter la lumière d’une manière que je n’aurais pas apprise avec un appareil photo conventionnel. Cela m’a également appris davantage sur tous les aspects de la photographie.
En moyenne, la création de mes caméras peut prendre entre 60 et 80 heures. Les appareils photo ne sont pas exactement ce que l’on pourrait qualifier de « précision suisse », ils cassent constamment et doivent être réparés pendant le tournage. En guise de secours, j’emporte plusieurs appareils photo lorsque je sors photographier. De plus, j’emporte toujours un certain nombre d’outils de bricolage, du ruban adhésif, de la colle Ducco, etc. afin qu’une intervention chirurgicale d’urgence puisse être effectuée sur toute caméra qui tombe en panne sur le terrain.
PL : Quelle est la prémisse de votre dernier travail ?
SB : Depuis 2016, mon travail est passé du domaine personnel à une enquête plus large sur les valeurs et croyances partagées reflétées dans la topographie sociale américaine. Ma série actuelle, « Là où les ombres cessent : la résonance du rêve américain »présente des monuments et des paysages emblématiques qui incarnent la philosophie de notre pays pour des raisons à plusieurs niveaux.
En tant que bénéficiaires de la génération automobile d’après-guerre, mes parents étaient presque fanatiques de parcourir chaque centimètre carré des 41 000 milles de routes créées à leur intention dans les années 1950. Ces routes et autoroutes offraient une porte d’entrée vers la liberté, l’aventure, la découverte et la connexion intime promise par chaque paysage et monument emblématique sur lesquels ils tombaient par hasard. Avec le recul, cet enthousiasme peut paraître naïf, mais ces excursions estivales ont renforcé la conviction de ma famille qu’en tant que citoyens de ce pays, nous faisions partie de quelque chose de plus grand que nous-mêmes. J’ai pleinement adhéré à ces convictions. Que ce soit captivé par la sombre beauté des Badlands ou par la riche histoire de Gettysburg, chaque lieu a suscité en moi un sentiment d’expérience partagée, lié par l’histoire, l’héritage et l’espoir du passé, du présent et du futur, transcendant les désirs individuels et unissant Les Américains.
Ma famille s’est tragiquement désintégrée au début de ma vie d’adulte, et face à leur absence et à leur isolement, j’ai commencé à chercher mes racines et ce qui nous unifie dans plusieurs de mes séries. En 2016, les divisions et les dissensions dans ce pays ont détruit les fondations de cette terre que j’appelle chez moi, reflétant une nouvelle perte fondamentale dans ma vie. Plutôt que d’embrasser le cynisme, ce changement m’a inspiré à renouer avec la beauté et l’essence de cette nation en revisitant des lieux et des paysages emblématiques à travers les États-Unis, en retraçant les road trips mémorables de ma jeunesse.
Au cours de mes voyages, je plonge au cœur de cette terre en utilisant des métaphores visuelles et du symbolisme pour révéler des liens cachés dans la mémoire collective de notre nation. En incorporant de manière transparente des thèmes et des symboles universels trouvés dans les paysages et les sites culturels, j’éclaire comment ces éléments incarnent l’esprit et la philosophie durables de ce pays. Alors que cette série explore la riche histoire de cette nation et notre marque collective, elle stimule le discours et offre de nouvelles perspectives sur notre passé, notre présent et notre avenir, unis par le reflet de nos rêves : les rêves américains.
PL : Vous êtes un photographe d’art à succès ; Votre travail est-il représenté dans des galeries, des collections de musées et des monographies publiées ? Comment est-ce arrivé? Quels conseils donneriez-vous aux photographes qui souhaitent se lancer dans la photographie d’art ?
SB : Histoire drôle. Je n’ai jamais cherché le monde de la photographie d’art, il m’a trouvé. Je ne savais pas qu’il y avait des gens qui achetaient des photographies en édition limitée dans des galeries depuis que j’ai fait mes études dans le domaine commercial/éditorial/portrait. Mais alors que j’avais envie de m’exprimer dans mon travail, je suis tombé dans le gouffre sans fond de la fabrication de mes propres appareils photo et j’ai commencé à en apprendre davantage sur la photographie d’art. J’ai posté mes images sur un blog (début des années 2000, avant Instagram) et contacté de merveilleux photographes. L’un des photographes incroyablement talentueux avec qui j’ai eu des contacts était Dave Anderson, qui remportait à juste titre de nombreux prix et d’innombrables distinctions dans le monde des beaux-arts et de la photographie documentaire à l’époque. Lors d’une rencontre fortuite chez Photo LA, il a demandé à voir mes tirages. Quelque chose m’a dit de mettre mon portfolio de 20 tirages dans mon sac ce jour-là… Alors quand Dave a demandé à voir mon travail, j’ai pu lui proposer une exposition dans le coffre de ma voiture ! Il a été tellement impressionné qu’il a glissé mon portfolio dans sa galerie à ce moment-là, a montré le travail et ils m’ont inscrit sur-le-champ. Cette galerie a conduit à une autre galerie et une autre et encore une autre… Et je dois remercier mon cher ami Dave Anderson pour tout.
Astuce : Beaucoup de gens ont l’illusion qu’être artiste est une vie amusante, facile et insouciante et qu’une fois que vous avez une exposition personnelle ou un livre, vous réussissez, mais c’est loin d’être la vérité. vérité. En réalité, après avoir décroché votre première représentation en galerie, ce n’est que le début du voyage. Je décris le fait d’être photographe d’art comme un marathon sans fin qui continue de se construire avec chaque succès plutôt qu’un sprint, alors mangez vos céréales, continuez à créer un travail qui a du sens pour vous et soyez patient. Construire une carrière dans ce domaine demande du temps, du dévouement et beaucoup de travail acharné.
Texte et interview de Patricia Lanza
