Gregory Crewdson est l’un de mes conteurs photographiques préférés. Il vous invite dans son monde passionnant, parfois mélancolique, mais toujours beau, où vous vous immergerez pleinement dans la scène. Vous pouvez plonger dans la situation qu’il a créée pour vous, ou rejoindre le protagoniste dans votre esprit et imaginer la scène suivante.
Lors du vernissage de son exposition à LUMA Arles au cours de l’été 2023, j’ai eu le plaisir de voir Crewdson en live, et de découvrir davantage de ses œuvres sur place. Ce mois-ci, j’ai le plaisir de partager des informations supplémentaires avec vous et vous souhaite une lecture agréable et passionnante.
Nadine Dinter : Il y a un dicton qui dit que « chaque photographe a une histoire à raconter ». En regardant votre travail, qui s’étend sur plus de 30 ans, vous semblez avoir une histoire continue en plusieurs parties à partager avec votre public. Que pensez-vous de cette philosophie ?
Grégory Crewdson : C’est quelque chose que j’ai dit à plusieurs reprises et j’y crois fermement. Chacun de nous a sa propre façon de voir le monde, avec ses propres intérêts, ses goûts et ses aversions, ses désirs, ses peurs et son histoire personnelle, et tout cela s’ajoute à une histoire centrale que nous racontons en tant qu’artistes. Au cours de notre vie, nous réinventons cette histoire et la regardons peut-être sous différents angles et sous différents angles, mais au final, nous tournons souvent autour des mêmes thèmes et essayons d’exprimer les choses qui nous semblent les plus significatives. plus significatif. pour nous. Lorsque je regarde toutes les images de mon exposition rétrospective et du livre qui l’accompagne, je vois toutes les façons dont mon travail a évolué au fil des décennies, mais je vois aussi une forte similitude et un fil conducteur commun. Ils font tous partie de la même histoire, dans un sens.
Vous êtes célèbre pour votre narration brillante, vos décors élaborés et votre amour des décors détaillés. Comment tout cela commence-t-il et comment les différentes pièces comme les acteurs, les lieux et les décors s’assemblent-elles ? Travaillez-vous avec des indices et des modèles, ou faites-vous plutôt référence à des contextes que vous connaissez dans votre « quartier » du Massachusetts et de New York ?
CG : MERCI. Tout le processus commence vraiment par mes voyages et mes recherches. J’ai des endroits préférés que je visite, certains que j’ai utilisés plus d’une fois au fil des ans. Ces lieux inspirent mon imaginaire et, d’une manière ou d’une autre, me semblent formellement intéressants. Cela me lance dans le processus de développement d’images spécifiques. Une fois que j’ai une idée suffisamment cohérente pour être articulée, je fais appel à Juliane et nous commençons à écrire une description de l’image qui devient une sorte de « storyline ». Cela devient le document de travail et les instructions pour tous ceux qui travailleront dans notre équipe de production, afin de communiquer quelle est la vision. En termes de casting, cela se fait principalement dans les villes ou les quartiers de l’ouest du Massachusetts où se déroulent les images. Il y a parfois des exceptions, mais il s’agit souvent de personnes que l’on croise dans la rue, dans les magasins ou dans divers endroits de la ville.
Dans vos images, nous voyons des lieux déserts que nous semblons reconnaître, même s’ils sont dépourvus de tout type de repère, de façade ou de panneau publicitaire. Les emplacements peuvent être n’importe où, même s’ils se sentent comme « chez eux », comme vous l’avez dit un jour. Quelle est ta maison ?
CG : J’habite dans l’ouest du Massachusetts, dans la région où je prends toutes les photos. Je vis dans une ancienne église méthodiste et mon studio se trouve dans l’ancienne caserne de pompiers de la ville voisine.
Les personnes que vous incluez dans vos images semblent déplacées. Ils sont en quelque sorte statiques – remplis de désespoir, ou du moins, ne montrant aucune émotion ou action. D’une certaine manière, nous, spectateurs, avons envie d’agir, d’entrer dans ce décor et de faire vivre la situation représentée. Avez-vous l’intention – d’impliquer votre public – de lui faire comprendre comment ce « moment figé » pourrait se transformer en une « histoire émouvante » ? »
CG : Absolument, je souhaite que le spectateur apporte aux images sa propre interprétation, ses propres déductions et sa propre vision du monde. Les images ont potentiellement des significations et des résonances différentes pour chacun de nous. Le tableau n’est complet que lorsque le spectateur y apporte sa propre signification.
Ces derniers mois, le Musée Albertina de Vienne a organisé une grande rétrospective de votre œuvre. Cet aperçu complet de votre travail présentait des séries bien connues telles que Crépuscule (1998-2002) et Sous les roses (2003-2008), mais aussi des œuvres plus récentes comme Cathédrale des Pins (2013-2014), Une éclipse de papillons de nuit. (2018-2019) et Côté soirée (2021-2022). Quel a été votre retour préféré à ce sujet ? Les visiteurs autrichiens ont-ils perçu les œuvres d’une manière différente que, par exemple, les visiteurs arlésiens, lorsque vous avez présenté vos photographies au LUMA à Arles au cours de l’été 2023 ?
CG : L’exposition de Vienne était bien plus grande que celle d’Arles, qui était un panorama des dix dernières années. À Vienne, j’ai eu l’occasion de revoir l’ensemble de ma carrière, depuis mes études supérieures. Ce fut une expérience particulière d’imprimer l’exposition, de revenir aux négatifs dans de nombreux cas et de pouvoir voir toutes les images accrochées ensemble en un seul endroit. Je suis très heureux que l’œuvre soit conservée dans la collection permanente de l’Albertina. Vienne est une ville magnifique et ce fut une expérience fantastique, notamment en travaillant en étroite collaboration avec Walter Moser, le commissaire de l’exposition.
Parallèlement à cette rétrospective viennoise évoquée plus haut, vous avez également publié un nouveau livre. Bien que l’atmosphère, les schémas émotionnels et l’énergie globale reflètent les œuvres telles qu’elles sont exposées, celles-ci peuvent être perçues différemment, en partie à cause du format plus petit d’un livre. Comment gérez-vous cela ? Existe-t-il un moyen d’organiser un tel livre pour que l’impact reste le même ?
CG : Voir les images dans un livre est toujours une expérience très différente de les voir à grande échelle dans une galerie. Le spectateur a un rapport différent aux images. D’une certaine manière, c’est une façon plus intime et personnelle de voir l’œuvre. Il fournit également un contexte pour voir le matériel en coulisses et pour lire et comprendre davantage la façon dont ils ont été réalisés. Bien entendu, le niveau de détail des images est très différent dans un livre. C’est juste la nature du format. Mais Walter a fait un travail incroyable avec ce livre, et toutes ses décisions ont été très réfléchies et réfléchies. Je suis très content du livre et de toute l’écriture fantastique.
Vos œuvres portent des titres poétiques et chargés d’émotion, comme “Une éclipse de papillons de nuit», et “Cathédrale des Pins». Vous considérez-vous comme un poète visuel, dont le médium est constitué d’images et non de mots ?
CG : Je ne suis pas sûr d’avoir jamais considéré ce que je fais comme de la poésie, mais j’aime cette description. J’ai toujours eu du mal avec les mots – je suis dyslexique et je n’ai jamais été un très bon élève. Dès que j’ai découvert la photographie, j’ai su que c’était un langage qui avait du sens pour moi et que je pouvais utiliser pour communiquer mes histoires. Les titres des séries sont intentionnellement obliques, mais j’espère qu’ils capturent une sorte d’essence de l’ensemble de l’œuvre en question.
Lorsque nous lisons votre travail, les noms d’autres artistes de diverses disciplines comme David Lynch, Edward Hopper et Walker Evans sont mentionnés. En grandissant, qui étaient vos idoles ou vos modèles ?
CG : Les artistes, musiciens, auteurs et cinéastes vers lesquels j’ai grandi sont probablement tous ceux avec lesquels je m’identifie encore le plus, même si je me sens également très influencé par des générations d’artistes plus jeunes ou plus actuelles. Il existe une très longue liste d’artistes que je considérerais comme des modèles de mon enfance, mais ceux que vous mentionnez en font certainement partie. L’une des artistes qui m’a vraiment ouvert les yeux est Diane Arbus. Mon père m’a emmené voir sa rétrospective au MoMA quand j’avais dix ans. J’ai réalisé quelque chose sur le pouvoir des images qui a véritablement façonné ma compréhension de la photographie en tant que médium, dès mon plus jeune âge.
Quelle est la prochaine étape pour vous ? (nouvelle exposition, nouveau projet, nouvelle coopération ou autre chose ?)
CG : La rétrospective se poursuivra. En attendant, je suis aux premiers stades d’un travail à venir.
Quels conseils donneriez-vous aux photographes émergents ?
CG : Personne d’autre ne peut raconter votre histoire particulière – c’est la vôtre seule. Restez fidèle à cela, c’est la chose la plus précieuse que l’on possède.
Expositions en cours :
L’exposition Albertina voyagera dans d’autres grands musées et ces futurs lieux seront annoncés prochainement.
Une exposition personnelle intitulée Gregory Crewdson : Baie vitrée est désormais visible à l’Espace Louis Vuitton Munich, jusqu’au 22 février 2025.
Par ailleurs, l’exposition précédemment organisée au LUMA à Arles, une enquête de la Gallerie d’Italia Turin intitulée Côté soiréeorganisée par Jean-Charles Vergne, a été inaugurée le 25 octobre au Musée national de la photographie de Marubi en Albanie, jusqu’en janvier. 19, 2025.
A propos du livre :
Gregory Crewdson
Edité par Walter Moser
Publié par Prestel : 15 août 2024
Relié, 280 pages, 9 2/5 x 11 4/5 in, 318 illustrations couleur
60,00 $, ISBN : 978-3-7913-7738-4
Pour plus d’informations, consultez le compte IG de l’artiste @crewdsonstudio
