qui était l’icône du fauvisme ?

Sa vocation s’est déclarée à l’aube de la vingtaine. Victime d’une crise d’appendicite, il est resté à l’hôpital où il a trouvé le temps long. Pour l’occuper, sa mère lui offre une boîte de peinture. Futur clerc de notaire, il abandonne ses études de droit et se lance dans une formation artistique. Il quitte sa région natale pour s’installer à Paris, où il envisage de fréquenter l’école des beaux-Arts. Il échoue, mais n’abandonne pas, convaincu d’avoir trouvé son destin. Désireux d’apprendre, il s’inscrit à l’Ecole des Arts Décoratifs et découvre le dessin. En 1895, l’atelier de Gustave Moreau lui ouvre enfin ses portes. Le maître encourage ses étudiants à penser au-delà du technique et décèle chez Matisse une volonté de « simplifier l’art ». Il consacre son début de carrière à la peinture classique de natures mortes, avant de s’intéresser aux couleurs vives.

L’émergence du fauvisme

En moins de dix ans, Matisse devient père de trois enfants. Sa fille Marguerite, née en 1994, est le fruit de sa relation avec son mannequin Caroline Joblaud. Plus tard, il épousa Amélie Parayre, qui lui donna deux fils, Jean et Pierre. La famille s’installe en Corse, terre qui inspire à l’artiste pas moins d’une cinquantaine de tableaux. Sa rencontre avec Paul Signac, peintre pointilliste, lui permet de découvrir le sud de la France. A ses côtés, il crée l’une de ses œuvres emblématiques « Luxe, calme et volupté », qui révèle son attirance pour les couleurs.

C’est à l’été 1905, lors de vacances à Collioure, que Matisse rencontre le peintre André Derain. Fans d’œuvres aux couleurs flamboyantes, les deux artistes sont pointés du doigt, jugés scandaleux. Ensemble, ils créent le fauvisme. Un mouvement audacieux, caractérisé par des touches texturées et des teintes pures, qui bouleverse le monde de la peinture. Créée en 1905, « La Joie de vivre », pièce phare de la collection Matisse, séduit Pablo Picasso, impressionné par sa liberté de créer. Les deux artistes ne cesseront de rivaliser à travers leurs œuvres, créant une rivalité décadente entre deux figures du XXe siècle.

Nice, ville de cœur

Après avoir passé une partie de l’hiver 1916-1917 à Nice, Matisse décide de rester plus longtemps sur la Côte d’Azur, qu’il considère comme un paradis. En 1920, le célèbre organisateur de spectacles Serge Diaghilev lui demande d’imaginer les costumes et les décors du ballet « Le Chant du rossignol ». L’artiste, qui souhaite constamment se renouveler, accepte volontiers cet exercice qui lui permet de s’éloigner de sa zone de confort et de ses surfaces planes habituelles. En 1924, Matisse se tourne vers la sculpture avec « Grand Nu assis », exemple de son style qui mêle arabesques et angles.

« La période niçoise » est marquée par sa création de natures mortes, de nus, ou encore d’odalisques, qu’il estime ne pas accessoiriser. Dans les années 1930, un voyage aux Etats-Unis et à Tahiti transforme sa vision de l’espace et l’inspire pour créer des œuvres décoratives. A son retour, il travaille sur « The Dance » pour le docteur Albert Barnes, intégrant ses nouvelles idées dans des projets ambitieux.

En 1941, face à un cancer, Matisse innove avec la technique du papier découpé, créant des compositions vibrantes et dynamiques. Il participe également à la conception de la Chapelle de Vence, où il allie son talent d’artiste à celui d’architecte et designer, faisant de cet espace un témoignage vivant de sa quête artistique.

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Héritage éternel

Matisse meurt le 3 novembre 1954 à Nice, mais l’influence de l’artiste sur le monde de l’art se poursuit. Il redéfinit les frontières de la peinture par son audace, sa quête de simplification et son utilisation innovante de la couleur. Reconnu de son vivant, il a marqué non seulement ses contemporains, mais aussi des générations d’artistes, tant en France qu’aux Etats-Unis. Des personnalités comme Sam Francis et Andy Warhol ont été profondément influencées par son travail, témoignage de l’impact durable de Matisse sur l’art contemporain.