Le Nirvana n’existait pas dans le Mexique des années 1940 (Kurt Cobain naîtrait plus de deux décennies plus tard), mais ce genre de limitation spatio-temporelle n’existe pas dans « Queer », où « Marigold » joue sur un juke-box dans un restaurant. “Queer” suit Lee (un Daniel Craig souvent attachant et maladroit) dans sa poursuite du beaucoup plus jeune Eugene Allerton (un Drew Starkey séduisant mais énigmatique). Bien que le film se déroule au milieu du 20e siècle, ses éléments et sensibilités résolument modernes lui donnent une impression à la fois de son époque et de l’époque actuelle.
Lee se déplace dans la communauté des expatriés américains à Mexico, partageant des conversations avec son ami Joe (Jason Schwartzman) et poursuivant des hommes beaucoup plus jeunes à ramener chez lui pour la nuit. Lui et Eugène croisent les yeux à travers la foule lors d’un combat de coqs. Lee est immédiatement amoureux, bien qu’il finisse par passer la soirée avec un Omar Apollo aux dents prothétiques, qui incarne un habitant découragé de Mexico.
Finalement, Lee rattrape Eugene et le couple se lance dans une amitié qui évolue vers quelque chose de plus. Le film est ancré dans la perspective de Lee, ce qui rend Eugene captivant à regarder, mais difficile à lire. Il y a une tension entre eux qui se relâche rarement ; Lee est si transparent dans ses intentions que la réticence d’Eugène offre un contraste net mais nécessaire.
« Queer » est basé sur un court roman du même nom, écrit par William S. Burroughs. Malgré le titre de cette histoire et l’accent mis sur l’identité sexuelle, elle parle aussi clairement de drogues, comme l’explore un voyage dans la jungle sud-américaine à la recherche d’ayahuasca. Lee est désespéré de faire l’expérience de la drogue avec Eugene parce qu’il a entendu dire que cela pouvait débloquer des capacités télépathiques entre les personnes qui le faisaient ensemble.
Le manque continu de transparence d’Eugene pousse Lee à vouloir lire dans ses pensées. Même si ce film est fortement encadré par le point de vue de Lee, il y a encore des moments qui traversent son objectif. Ces moments exposent au public des vérités dont Lee lui-même n’est peut-être pas conscient. Il y a une scène où Lee décrit et imite un cochon rôti vivant – Eugene finit par rire bruyamment, mais on a toujours l’impression qu’il rit à Lee plutôt que avec lui. Plus subtilement, on a le sentiment que Lee n’en a pas conscience.
Au-delà de Lee, Eugene existe également en contraste avec les autres expatriés de Mexico. Sa sexualité est fluctuante et floue, alors que tous les autres (de Lee à Joe en passant par les personnages anonymes) sont ouvertement ouverts sur eux-mêmes, malgré les temps. Nous sommes à Mexico dans les années 1940, et pourtant il existe ce havre de paix dans le rayon de quelques pâtés de maisons couvert par le film, où les gens semblent libres d’agir, de s’habiller et de parler comme bon leur semble. Cela ne veut pas dire que la sexualité ne crée pas de tensions entre les personnages et le monde en général. Il y a plutôt un manque flagrant de jugement sociétal à leur égard, comme pourrait l’être une histoire plus stéréotypée.
Entre ces attitudes et l’utilisation répétée de Nirvana dans sa bande originale, « Queer » est lié à son époque de manière plus significative par ses visuels. Ses costumes, réalisés par le designer Jonathan Anderson, informent le public sur l’identité de chaque personnage. Lee porte presque toujours un costume léger et un chapeau, tandis qu’Eugene porte souvent des t-shirts avec des pantalons hauts. C’est une distinction générationnelle subtile mais efficace entre les deux hommes.
L’architecture de « Queer » la lie également à la période de l’histoire, même si le monde du film semble surréaliste et souvent limité – comme si Mexico n’existait pas au-delà du rendez-vous amoureux de Lee et Eugene, comme si les deux étaient tout aussi proches. aussi grands que les espaces qu’ils occupent. Étant donné que le directeur de la photographie du film, Sayombhu Mukdeeprom, a déjà travaillé à plusieurs reprises avec Guadagnino, ce changement de style visuel est un choix particulièrement intéressant. Les films précédents de Guadagnino ne sont pas observationnels au point de devenir documentaires, mais ils sont plus naturalistes. Les lieux de tournage des films de Guadagnino comme « Call Me By Your Name » et « Challengers » informent les spectateurs sur les personnages et l’histoire, mais constituent finalement la toile de fond de l’intrigue. Les lieux et le style visuel de « Queer » suggèrent plutôt un monde construit pour les personnages.
Bien que ce film diffère visuellement des œuvres précédentes de Guadgnino, une chose qui est cohérente est la prouesse du réalisateur dans son métier. Son choix de s’attarder sur ses acteurs principaux et de laisser leurs performances prendre le devant de la scène témoigne non seulement des capacités des acteurs, mais aussi de l’habileté de Guadagnino à encourager et à permettre que ce genre de performance existe. Il y a un moment où Lee tire dans son appartement – il s’assoit et fume, le regard tourné vers l’avant, dans un plan qui dure si longtemps qu’il rappelle le générique final de “Call Me By Your Name”, où Elio regarde dans la cheminée. sa maison, les émotions le submergeant.
Craig, le plus souvent associé à son rôle de James Bond et désormais de Benoit Blanc dans la franchise « À couteaux tirés », brille dans « Queer ». Il incarne un homme tourmenté, mais transparent quand même. Lee est un toxicomane, dans tous les sens du terme. Il est alcoolique, ou du moins il boit trop à chaque fois qu’il boit. Une cigarette pend constamment à ses lèvres et il est dépendant des opiacés. Mais même les hommes qu’il poursuit sont pour lui une forme d’addiction. Ils sont plus jeunes que lui, souples et parfois sans prétention. Craig incarne sans réserve ces facettes de son personnage, ce qui se traduit par une performance touchante qui ne ressemble à aucun de ses rôles précédents.
En face de Craig, Starkey est à la fois séduisant et déchirant dans le rôle d’Eugene, dans ce qui sera sans aucun doute un rôle déterminant pour sa carrière. Après la séquence d’ayahuasca, le Dr Cotter (Lesley Manville) dit à Eugene que lui et Lee devraient rester plus longtemps, car leurs réactions à la drogue étaient si profondes par rapport à la plupart des nouveaux consommateurs. Elle dit que la première fois, c’est comme une porte qui s’ouvre – une porte qui ne peut pas être fermée. Eugène peut désormais franchir cette porte facilement, mais il lui faudra un autre voyage pour pouvoir le faire. Ou bien sûr, il peut détourner le regard. Mais comme le dit Cotter : « Pourquoi le feriez-vous ? » Eugene parcourt une frontière entre les mondes, incapable de se laisser vouloir aussi librement que Lee, mais piégé dans un cycle de désir puis de fuite, tout de même. Starkey dépeint ce funambule avec élégance, ses micro-expressions et son langage corporel traduisant sans un mot les inhibitions de son personnage.
« Queer » n’est pas un film pour tout le monde. Bien qu’il y ait des panoramiques et des coupes dans les plans par la fenêtre lors des scènes intimes, ces scènes sont tout de même explicites. Il y a des éléments surréalistes et métaphoriques qui dégagent un sentiment d’effroi. La chasse de Lee à l’ayahuasca mène à une séquence de trip de drogue ahurissante – mais magnifiquement chorégraphiée – avec lui-même et Eugene. Le film dans son ensemble est, en un mot, viscéral. Mais « Queer » est aussi exactement le film que Guadagnino avait l’intention de faire. Sa plus grande force réside peut-être dans le fait qu’aucune partie du film ne semble involontaire ou fortuite. Indépendamment des pensées ou des sentiments que cela pourrait évoquer, à aucun moment on n’a l’impression que Guadagnino n’a pas le contrôle.
En fin de compte, et malgré ses différences avec les autres œuvres de Guadagnino, « Queer » est un film incroyablement romantique, qui s’aligne sur la filmographie plus large du réalisateur jusqu’à présent. Comme Lee y fait allusion dans une conversation avec Eugene, il s’agit de l’interdépendance de tous les gens et de l’idée de se donner entièrement à quelqu’un d’autre et d’espérer qu’il l’accepte et lui rende la pareille. La fin du film n’est certainement pas aussi déchirante que “Call Me By Your Name” ou cathartique que “Challengers”, mais elle est au contraire parfaitement adaptée à l’histoire racontée. Lors de son introduction au film le 6 octobre au Festival du film de New York, Guadagnino a imploré le public de ne pas considérer l’histoire comme une histoire d’amour non partagé. “C’est une histoire d’amour”, a-t-il déclaré, à propos de deux “personnes difficiles à synchroniser”.
« Queer » a été présenté en première mondiale au Festival international du film de Venise en septembre, et aux États-Unis lors du gala Spotlight du Festival du film de New York plus tôt en octobre dernier. Sa sortie en salles limitée est prévue pour le 27 novembre.
