Qui est Tarsila do Amaral, pionnière oubliée de l’art moderne brésilien, révélée dans une grande exposition à Paris ?

Tarsila do Amaral est née en 1886 sur la plantation familiale, deux ans avant l’abolition de l’esclavage au Brésil. Elle appartient à la classe sociale des barons du café de l’État de São Paulo, où son grand-père, surnommé “le millionnaire”, n’a pas moins de 22 fermes, ou des propriétés agricoles. Tarsila a reçu l’éducation d’une jeune fille issue de la haute bourgeoisie, elle peignait et jouait du piano. La francophonie est dans l’air du - ; elle lit Victor Hugo dans le texte et chante The Marseillaise sous la direction de son tuteur belge.

Une jeunesse cosmopolite des années folles

La famille voyage et, à l’époque, le voyage signifie l’Europe, où Tarsila reste deux ans dans un internat à Barcelone. Elle n’a que 18 ans lorsqu’à son retour, elle se marie avec un cousin éloigné avec qui elle aura une fille, Dulce, en 1906. Grâce au soutien financier de son père et malgré l’opposition du reste de sa famille, elle se sépare. de son mari en 1913 et s’installe à São Paulo. Après avoir mis fin à un mariage malheureux, Tarsila décide à 29 ans de se consacrer à la peinture. Elle suit des cours auprès de peintres académiques et franchit le pas en 1920 en partant pour Paris, la capitale des Arts, où elle s’inscrit à l’Académie Julian.

Mais le choc de la modernité lui arrive à São Paulo en 1922, où les protagonistes de la « Semaine de l’Art Moderne » viennent de bouleverser les valeurs établies. « Contaminé par les idées révolutionnaires de l’avant-garde pauliste euphorique et mordante »comme elle le confie en 1950, elle revient à Paris fin 1922, choisissant ses professeurs qui s’appellent cette fois André Lhote, Fernand Léger et Albert Gleizes.

UN caïpirinha habillé en Poiret

Décrit ainsi par son nouveau compagnon, le poète brésilien Oswald de Andrade (1890-1954), Tarsila, belle, cultivée et élégante, mêlée à l’avant-garde parisienne, organisant chez elle, rue Hégésippe Moreau dans le 18e arrondissement, de brillantes rencontres. où l’on retrouve Blaise Cendrars, Constantin Brancusi, Robert et Sonia Delaunay, Pablo Picasso et Léonce Rosenberg. Un pied à Paris où, en plein primitivisme, son exotisme séduit et un pied au Brésil, où sa connaissance de l’avant-garde parisienne fascine, Tarsila profite de sa situation et développe un langage visuel unique, synthèse entre un Brésilité et alphabet cubiste moderne. Avec une feuille de bananier stylisée en arrière-plan pour n’importe quel décor, Le Noir (1923) représente ainsi, à l’aide de formes tubulaires, un ancien esclave noir.

Tous deux extrêmement riches, amoureux et en synergie intellectuelle, Tarsila et Oswald entreprennent en 1924 une série de voyages au Brésil qui élargissent encore leur vocabulaire, puis en 1926 ils se rendent en Grèce, en Turquie, en Israël et au Liban. Cette même année, une première exposition personnelle des œuvres de Tarsila, dans des cadres de Pierre Legrain, s’ouvre à Paris à la galerie Percier. Pour l’artiste, c’est une consécration. Son travail Cocu (1924) représentant un bestiaire exotique et imaginaire, entre dans les collections nationales françaises. De retour au Brésil, Tarsila peint en 1928 Abaporu, ce qui signifie en langue indigène Tupi-Guarani “l’homme qui mange un autre homme”, et qu’elle offre à Oswald pour son anniversaire. Parmi les œuvres les plus emblématiques de l’artiste, le tableau a inspiré Oswald à Manifeste anthropophageun texte fondateur de la modernité brésilienne qu’il publiera quelques mois plus tard, avec pour seule illustration un dessin de Tarsila représentant ce personnage au pied énorme et à la tête minuscule.

Traversée du désert

À l’été 1929, Tarsila, au sommet de son succès, expose pour la première fois dans son pays, à Rio de Janeiro et à São Paulo, où elle présente également les joyaux de la collection personnelle qu’elle a constituée à Paris. . Le public émerveillé découvre des œuvres originales de Brancusi, De Chirico, Delaunay, Léger, Lhote, Miró, Picabia et Picasso. L’automne suivant ressemble à un cataclysme. Le krach boursier de New York entraîne l’effondrement des prix du café. Sa famille est ruinée, les propriétés hypothéquées. Au même moment, Oswald tombe amoureux d’un jeune écrivain, Pagù, et le couple se sépare.

À 44 ans, Tarsila doit changer son mode de vie et, pour la première fois, travailler pour subvenir à ses besoins. Elle a brièvement occupé le poste de conservatrice à la Pinacothèque de São Paulo et a commencé à écrire des chroniques pour le journal. « Journal de São Paulo »(entre 1936 et 1954). Elle continue de peindre mais doit désormais répondre à des commandes. Le monde change et Tarsila aussi. Avec son nouveau compagnon, le psychiatre et intellectuel de gauche Osório César (1895-1979), elle effectue en 1931 un voyage en Union soviétique qui la ravit, vendant une partie de sa collection pour financer l’expédition. A son retour, la révolution constitutionnaliste éclate à São Paulo, mais le président Getúlio Vargas reste au pouvoir et Tarsila est emprisonnée pendant un mois en raison de son récent voyage en URSS.

La nouvelle conscience sociale qui l’anime se lit dans ses peintures dont l’iconographie et le style se teintent de réalisme socialiste avec Ouvriers (1933), changement. En 1933, elle se sépare d’Osório César et rencontre l’écrivain Luís Martins (1907-1981), de vingt et un ans son cadet, avec qui elle entretient une relation jusqu’en 1951. Dans les années 40, elle s’attaque à un nouveau style onirique, où des personnages disproportionnés fusionner avec la nature. Tarsila, qui continue de participer à des expositions collectives, doit attendre les années 1950 pour qu’un véritable travail critique soit mené sur son œuvre. La rétrospective organisée en 1950 au Museu de Arte Moderna de São Paulo la remet sur le devant de la scène.

L’année suivante, elle est choisie pour représenter le Brésil à la première Biennale de São Paulo. A 66 ans, Tarsila est enfin reconnue comme une figure majeure du modernisme brésilien. Devenue paraplégique à la suite d’une opération de la colonne vertébrale, sa fin de vie est éclipsée par le décès de sa fille Dulce en 1966. Elle assiste néanmoins à l’inauguration de la grande rétrospective qui lui est consacrée par le Musée d’Art Moderne de Rio de Janeiro et le Musée de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo en 1969, avant de décéder le 17 janvier 1973.

Les atouts de l’exposition

Avec l’ambition de faire connaître une artiste star des - modernes au Brésil et quasiment méconnue en France, l’exposition embrasse l’ensemble de sa carrière sans ignorer la dernière période, des années 1940 jusqu’à sa mort. Chronologique, la tournée contextualise l’œuvre dans le paysage naturel et urbain brésilien de l’époque, grâce à de grands agrandissements photographiques.

Le moins

Abaporu (1928) n’a pas fait le déplacement depuis Buenos Aires. Emblématique, l’œuvre est à découvrir au Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. Acheté par un collectionneur argentin, Eduardo F. Costantini, pour 2,5 millions de dollars en 1995, le tableau a été offert au musée en 2001. Le musée refuse généralement de s’en séparer. Mona Lisa de l’art moderne sud-américain.