‘Oh, Canada’, (★★★★✩) la mort de Paul Schrader et autres premières de la semaine

Voici les films qui sortiront en salles ce 25 décembre :

Notes

★★★★★ chef-d’œuvre
★★★★✩ très bien
★★★✩✩ bonne
★★✩✩✩ régulier
★✩✩✩✩mala

Oh, le Canada (★★★★✩)
Réalisateur : Paul Schrader
Interprètes : Richard Gere, Jacob Elordi, Uma Thurman
Production : États-Unis, 2024 (95 min.)
Drame

La mort de Paul Schrader

Par Philippe Engel

A 78 ans, Paul Schrader pense à la Mort. Non seulement il a publié sur les réseaux sociaux l’image d’une pierre tombale sur laquelle apparaît déjà son nom ainsi que celui de son frère tant attendu Léonard, avec qui il a écrit Mishima : Une vie en quatre chapitres (1985), un film-énigme comme celui-ci, qui pourrait être la mise en scène de sa propre mort, mais aussi une double réunion : comme Affliction (1997), est une nouvelle fois l’adaptation d’un roman de Russell Banks (The Dropouts), un énorme écrivain décédé l’année dernière à qui le film est également dédié, et qui met en vedette nul autre que Richard Gere, avec lequel Schrader a fait une star. Gigolo américain (1980), qui reste le sommet des deux.

Plus de quarante ans après avoir sillonné Los Angeles au son de Call Me dans sa décapotable, Gere est un cinéaste mourant, spécialisé dans le documentaire, qui accepte de donner une dernière interview devant la caméra, à la recherche, bien sûr, de rédemption éternelle qui constitue l’épine dorsale du cinéma américain, classique et moderne, blanc et viril, dont ce film pourrait être un épilogue passionnant. L’ancien étudiant qui l’interroge (Michel Imperioli) veut le pousser vers la politique, mais Gere ne s’intéresse qu’à expier ses péchés d’abandon, personnifiés dans le passé par le dégingandé Jacob Elordi, un objecteur de conscience qui n’hésite pas à se faire passer pour lui. présenté comme homosexuel dans une interview assez hilarante avec son recruteur militaire.

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Après sa prodigieuse trilogie ascétique (2017/22), composée de Le révérend, le compteur de cartes oui Le maître jardinierSchrader démontre une nouvelle fois qu’il est toujours au top de sa forme en passant à la vitesse supérieure avec ce dispositif qui combine le regard émouvant de Gere sur l’appareil photo et ces souvenirs évoqués avec un classicisme vaporeux, affichant l’iconographie américaine au son des mélodies mélancoliques de Matthew Houck aka Phosphorescent. C’est un peu une nécrologie que l’intéressé aurait lui-même rédigée, prête à publier. Il a raison, car, au moins dans ce pays, son ami admiré Russell Banks n’a pas reçu les honneurs qu’il méritait. Espérons que le moment venu, Schrader ne restera pas dans les mémoires comme « le scénariste de Taxi Driver », ce qui est presque une imposture à ce stade. Vive Paul Schrader !

Nosfératu (★★✩✩✩)
Réalisateur : Robert Eggers
Avec : Lily-Rose Depp, Bill Skarsgård, Nicholas Hoult, Willem Dafoe
Production : États-Unis, 2024 (132 minutes). Terreur

Nouvelle visite dans un classique

Par Jordi Batlle Caminal

Ce « Nosferatu » de Robert Eggers est un peu un film d’autocollants. En théorie, il s’agit d’une nouvelle version du chef-d’œuvre centenaire de FW Murnau. Il est présenté raisonnablement fidèle à l’original, mais, dans sa formulation visuelle, il fait en même temps référence au « Dracula » de Coppola : un autocollant démocratique. Il n’y a cependant pas une once de la poésie sombre de Murnau, sommet de l’expressionnisme allemand, ni de l’inventivité visuelle et du romantisme débridé de Coppola, seulement de brèves touches de créativité plastique stylisée disséminées dans plus de deux heures de séquences. L’utilisation de la lueur des bougies dans les scènes d’obscurité profonde est vraiment géniale et trouve son plus grand moment (le meilleur du film) lors de la première rencontre entre Thomas Hutter, l’employé immobilier, et le comte Orlok, dont le visage reste toujours caché dans l’ombre. .

Dans le parcours très inégal du récit, Eggers inclut, sous forme de rêve, un fragment avec des gitans qui est de la pure « horreur populaire » et que l’on pourrait qualifier d’auto-hommage à « La Sorcière », son premier long métrage. film. Et aussi un exorcisme qui rappelle l’œuvre totémique de William Friedkin et plusieurs frayeurs plus typiques de l’horreur pop-corn posée qu’une révision soi-disant sérieuse d’un classique du septième art. Aucun membre du casting n’a une véritable notoriété, pas même le célèbre Dafoe, déterminé à composer, avec sa pipe d’un kilomètre de long, un personnage pittoresque. Pire encore, impardonnable, est le manque absolu de charisme de Skarsgård dans le rôle du comte vampire.

Murnau et Coppola, mais aussi Herzog, Browning, Fisher et Badham, entre autres (sans aller plus loin, notre guérillero Jesús Franco, auteur du « Comte Dracula », très fidèle au texte de Bram Stoker), ont offert à notre mémoire cinématographique des images indélébiles de une histoire aussi intemporelle que son protagoniste. Le grain de sable apporté par Eggers a un impact momentané qui n’est pas négligeable, mais certainement pas durable.

Parthénope (★★★✩✩)
Réalisateur : Paolo Sorrentino
Interprètes : Celeste Dalla Porta, Stefania Sandrelli, Silvio Orlando
Production : Italie, 2024. 136 m. Drame.

Traité du vide

Par Salvador Llopart

Nous avons essentiellement affaire à un regard lascif. Pourquoi se tromper : peu importe l’admiration que l’on éprouve pour le cinéma de Sorrentino depuis La grande beauté (2013), le réalisateur napolitain est resté à cette occasion dans le constat lubrique de Parthénopeune femme en transit vers sa décadence. Vous pouvez désormais couvrir l’histoire de cette jeune femme au sourire impénétrable et à l’aura inaccessible (Celeste Dalla Porta), vous pouvez désormais couvrir Parthénope de métaphores, d’allégories et de moments sublimes – et aussi de moments chocs, comme cette scène de sexe avec le prélat dans charge de liquéfaction. des larmes de San Gennaro, saint patron de Naples – que le résultat est le même : le regard lubrique – le désir – derrière une couche de transcendance. L’importance est donnée, comme toujours, par la ville de Naples, toute l’Italie et le passage impitoyable du temps.

Dans Parthénope Des scènes de rêve d’une beauté magique se succèdent au détriment de la logique du récit qui, sauf en de rares occasions, brille par son absence. Le film, malgré tout, est aussi d’une beauté exubérante que toujours dans les films de Sorrentino, voire un peu plus. Cette réflexion/promenade sur le mystère d’une femme (sans mystère) est en somme un traité sur le vide – Pathénope elle-même semble vide la plupart du temps – ainsi qu’un sublime exercice de style.

Sonic 3 : Le film (★★✩✩✩)
Réalisateur : Jeff Fowler
Interprètes : Jim Carrey, James Marsden, Cristo Fernández
Production : États-Unis, 2024. 110 m. Aventure

Ça pourrait être pire

Par S. Llopart

Libéré du poids des précédents opus -ne vous attendez pas à des comparaisons-, je me retrouve seul face au danger d’affronter la troisième adaptation pour grand écran d’un jeu vidéo à succès, comme Sonic. Au premier abord, le mélange du dessin et de ce quelque chose de proche de la réalité avec lequel le film est conçu est frappant. Les dessins interagissent avec des personnages de chair et de sang : des personnages humains, même si, dans une large mesure, ils sont aussi bidimensionnels que ceux dessinés.

A une grande exception près : Dr. Robotnik, de Jim Carrey, l’ennemi juré de Sonic, ici divisé en deux : deux « médecins fous » pour le prix d’un ; deux sages fous qui avancent une histoire hyperbolique et répétitive – comme une bonne partie des jeux vidéo des années 90, et je pense à Mario Bros – grâce à leurs emportements et leurs grâces infinies. Tout commence lorsque Sonic et ses amis, Knuckles et Tails, doivent affronter leur ombre, c’est-à-dire Shadow, qui est le mauvais nom : l’image miroir de Sonic, avec des pouvoirs identiques, voire meilleurs. A partir de là, la folie est servie, à toute vitesse. Sans Carrey, les choses auraient pu être pires.

Aucune instruction (★✩✩✩✩)
Réalisateur : Marina Seresesky
Interprètes : Paco León, Maia Zaitegui, Silvia Alonso
Production : Espagne, 2024 (100 min).
Comédie dramatique

Le flirt, la fille et l’aviron

Par P. Engel

Il y a des films qui sont géniaux. Vous savez, quand on est sur le point de se noyer, et après avoir lutté durement contre l’eau, on parvient à remonter à la surface pour prendre de l’air, à ce moment-là, on reçoit un coup de rame inattendu au visage, et on coule à nouveau pour toujours . Et ce remake du film mexicain No Returns Accepted, d’Eugenio Derbez, qui avait déjà son ineffable version française avec Omar Sy (Tout commence demain), correspond comme un gant à la définition.

La première partie est une comédie blanche à la Santiago Segura, tellement stérilisée pour toute la famille qu’elle ne permet pas plus d’un demi-sourire mécontent. Il pourrait s’intituler Papa surprise, ou Un flirt et un biberon : ils n’ont pas besoin d’un dessin de l’intrigue, même si nous prévoyons qu’il est même douloureux de voir le presque toujours brillant Paco León impliqué dans un tel rôle.

Puis, comme pour nous punir de ne pas avoir ri, vient la punchline précitée, un tournant dramatique qu’on pourrait presque qualifier de chantage affectif, puisqu’il associe une charmante jeune fille et une maladie mortelle à nous faire pleurer. Une overdose plate et écoeurante de sentimentalité qui ne peut que redynamiser un peu le box-office de Noël grâce à l’attrait populaire de son protagoniste.