S’étendant sur 70 ans et occupant des rôles imposants en tant que musicien, auteur-compositeur, producteur, arrangeur, entrepreneur et plus encore, la carrière musicale de Quincy Jones est sans précédent.
Jones – « Q » pour ses amis et collaborateurs, décédé dimanche soir à l’âge de 91 ans – a révolutionné la façon dont le public du monde entier entendait la musique populaire en effaçant les frontières des genres tout en jouant sur l’esprit libre des sons jazz de ses débuts. Une oreille attentive aux collaborations uniques, une musicalité exceptionnelle, des techniques de studio audacieuses et une intégration révolutionnaire des sons latins et africains dans la pop ne sont que quelques-unes de ses réalisations.
Voici 15 des moments les plus mémorables de son incroyable carrière :
Quincy Jones – « Boo’s Blues » (1957)
Le premier album complet de Jones en tant que chef d’orchestre, chef d’orchestre et arrangeur (pas encore en tant que producteur, c’était le travail de Creed Taylor) « This is How I Feel About Jazz » est un modèle immédiat pour toute la carrière de Q. Sur sa composition lumineuse et légère « Boo’s Blues », Q a montré sa prédilection pour la superposition nette d’instruments de jazz traditionnels avec certains des meilleurs chats de session de l’époque, dont le bassiste Charles Mingus, le flûtiste Herbie Mann et le saxophoniste alto Phil Woods. Jones a également réinterprété avec sang-froid un genre – le blues – en le rendant slinky et sophistiqué. Cette marque de déconstruction idiomatique et de son clair est devenue une caractéristique du travail de Jones à partir de ce moment-là.
Ray Charles – « One Mint Julep » (1961)
Alors que l’arrangement savoureux de Jones du blues bopping « Moanin’ » de Bobby Timmons pour son copain Ray est un autre exemple de son changement de genre sonore, « One Mint Julep » pousse la fête encore plus loin. Les deux morceaux proviennent du classique du big band de Charles « Genius + Soul = Jazz ». Mais sur « Julep », Jones fait monter la température sur l’orgue Hammond B3 de Charles, illumine la section de cuivres (qui comprend le trompettiste Clark Terry et le tromboniste Jimmy Cleveland) et donne au morceau un rythme cha-cha-cha gracieuseté du batteur Roy Haynes. . “One Mint Julep” s’est classé n°1 du classement R&B et n°8 du palmarès pop de Billboard.
Dinah Washington – « Folle du garçon » (1961)
Écrit par Noël Coward au début des années 1930, le désir à distance de la chanteuse de jazz Dinah Washington a été produit et arrangé par Jones et joué par son orchestre comme quelque chose de plus lent et de plus mijoté que sa signature rythmique habituelle en 4/4. Rythmé par Jones à un 6/8 ambulant, les intentions de Washington sont devenues plus mauvaises que celles de « Mad », et la production à cordes et de type lounge a une ambiance doucement sensuelle. Quincy a ensuite arrangé et produit des titans tels que Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn et Peggy Lee, mais c’est Dinah qui a tout déclenché. Quelle différence un changement de rythme peut faire…
Quincy Jones – « Âme Bossa Nova » (1962)
Le Noël froid de 1962 est devenu plus torride lorsque Jones a composé et produit cette chanson sexy pour son album « Big Band Bossa Nova » et sa version tendance de la douce syncope brésilienne. Ce qui rend la version de Jones de la bossa nova si particulière à son son, c’est son utilisation habituelle de musiciens de jazz de haut niveau (Lalo Schifrin joue du piano, Rahsaan Roland Kirk joue de la flûte) et un cuica fournissant ce « rire » caractéristique au début de la chanson. Bien sûr, Mike Myers est également crédité de la culture pop pour avoir introduit le morceau de Jones dans le 21e siècle avec son utilisation comme thème d’ouverture de “Austin Powers: International Man of Mystery” (à la suite du tube des Dream Warriors de 1990 “My Definition d’un style Boombastic Jazz », qui l’a largement samplé).
Lesley Gore, “C’est ma fête” (1963)
S’accrochant à son amour des percussions latines et des cuivres chauds et cool, Jones – qui a non seulement produit la chanson mais a signé Gore, 16 ans, chez Mercury Records – a créé l’un des succès les plus angoissants de la pop pour adolescents. Avec ses voix doubles, ses battements de mains, ses changements d’accords décalés, ses cuivres agressifs et sa mélodie contagieuse, “It’s My Party” sort le mur de son du groupe de filles de Phil Spector à son apogée commerciale.
Quincy Jones – « Le prêteur sur gages : titre principal » (1964)
Amplifiant l’histoire rocailleuse du réalisateur Sidney Lumet sur un homme essayant de distancer ses horreurs alors qu’il était emprisonné dans un camp nazi, le compositeur et arrangeur de musique pour la première fois Jones a atténué ses accords majeurs habituels et son jazz cuivré brillant pour quelque chose de sourd, maussade, mineur et impressionniste. . Le plus remarquable dans le thème de Jones est l’utilisation du vibraphone face aux cordes mélancoliques de son orchestre.
Quincy Jones – « Tu l’as, mauvaise fille » (1973)
Quand Quincy Jones a eu le funk sur son album « You’ve Got It Bad Girl », il l’a (désolé) mal : le disque entier est rempli de R&B torride, ondulant de rythmes serrés et de mélodies mélodieuses. Tout d’abord, il a rendu « Summer in the City » de Lovin’ Spoonful moins sale que divinisé en le ralentissant, en le relaxant et en accueillant le plus léger des orgues Hammond et la voix mielleuse de Valerie Simpson dans les débats. Alors que l’intro de ce morceau a ensuite été samplée par Eminem et les Roots, « The Streetbeater » détient une sphère d’influence totalement différente. Mieux connu comme la chanson thème de l’émission de télévision NBC de Redd Foxx « Sanford and Son », Jones propulse l’harmonica torride de Toots Thielemans, le piano électrique de Dave Grusin et plus de cloches que l’imitation de Blue Oyster Cult de Will Ferrell dans la stratosphère de la bande originale. Quelqu’un, s’il vous plaît, remasterisez et rééditez « You Got It Bad Girl » dès que possible.
Quincy Jones – « Chaleur corporelle » (1974)
Jones a réussi à passer du funk ensoleillé à la nuit bluesy du romantisme tranquille des tempêtes avec cet album de 1974 et sa chanson titre sensuelle. Plutôt que d’opter pour le son prune et pincé de la basse R&B des années 1970, Jones a accueilli son vieux copain, le bassiste de jazz Ray Brown, dans les débats et a donné à cette douce ballade noire un groove fluide et un coup de pied lent dansant. Les chanteurs Bruce Fisher et Leon Ware ont également donné au liquide « Body Heat » une dose rauque de machisme solide et de chuchotements surchauffés.
Les frères Johnson – « Lettre aux fraises #23 » (1977)
Lorsque les frères Louis (basse) et George Johnson (guitare) ont travaillé sur les démos de Taka Boom, la sœur de Chaka Khan, ils n’ont sûrement jamais réalisé ce qui allait suivre lorsque ces morceaux parviendraient à Quincy Jones. Il n’a pas signé Boom, mais a amené les frères à jouer sur sa bande originale de la mini-série ABC TV « Roots », les a accueillis dans son groupe en tournée, puis a produit leur premier album de 1976, « Look Out For #1 ». Ce classique perdu est amusant, mais “Right on Time” de 1977 est meilleur, surtout avec l’inclusion du scintillant “Strawberry Letter #23”. Plutôt que d’adoucir le quasi-succès de Shuggie Otis, le producteur Jones garde « 23 » brut, complexe et galopant jusqu’à sa basse qui se pavane – ajoutant de la magie avec des voix de fond célestes et un solo de guitare tourbillonnant psychédélique du grand jazz Lee Ritenour.
Diana Ross, Michael Jackson, Nipsey Russell et Ted Ross – « A Brand New Day » (1978)
Le producteur Jones et Scarecrow Jackson ont peut-être jeté les bases d’un succès multiplatine inimaginable en travaillant ensemble sur la comédie musicale « The Wiz » de Sidney Lumet en 1978, mais la chanson la plus cinématographique de sa longue et funky bande originale a été écrite par Luther Vandross. Ici, en mode post-disco festif, la chanson épique de Vandross et la production brillante et remplie de cor français de Jones donnent à cette chanson de route en briques jaunes un ascenseur en or massif.
Michael Jackson – «Je n’y peux rien» (1979)
Choisir des chansons issues du brillant travail de Jones avec Michael Jackson est une tâche ingrate, mais ici nous éviterons les choix évidents. D’une manière similaire à “A Brand New Day” susmentionné, Jones fait appel à un auteur-compositeur-chanteur dont les ponts et les soupirs ont une signature liée à leur auteur – le jazz subtil et complexe de Stevie Wonder, ces accords arrondis et sa douce ascension – puis laisse Michael Jackson se déchaîne tranquillement sur chaque couplet. C’est le côté le plus lent et le plus décontracté de « Don’t Stop ‘Til You Get Enough », mais avec la même insistance sensuelle. Jones fournit une ligne de synthé caoutchouteuse, tandis que Michael respire lourdement, couine, couine et hoquet pour le plus grand plaisir de l’âme.
Quincy Jones – « Ai No Corrida » (1981)
L’album solo de Jones de 1981, « The Dude », a fait beaucoup de choses, notamment en transformant le chanteur James Ingram en une sensation de chant soul élégant et à gorge profonde des années 1980 avec de grandes ballades telles que « One Hundred Ways » et « Just Once ». Mais « Ai No Corrdia » s’inscrit dans la signature initiale de Jones, composée de cuivres jazz poignardants et de percussions latines monstrueuses – et, cette fois, avec une mélodie irrésistible écrite par Chaz Jankel, le Britannique qui a joué de la guitare pour Ian Dury and the Blockheads et également co- a écrit « Sex & Drugs & Rock & Roll » et « Hit Me with Your Rhythm Stick » avec Dury.
Michael Jackson – « Billie Jean » (1982)
Tiré de l’album d’artiste solo le plus vendu de tous les temps, “Thriller” – le premier single à tempo moyen écrit par Jackson – n’a pas séduit son producteur au début, en raison de sa longue intro de batterie et de basse anticipée. Visiblement, cela l’a conquis.
Quincy Jones, Ray Charles et Chaka Khan – « Je serai gentil avec toi » (1989)
L’album « Back on the Block » de Jones de 1989 se voulait un regard multi-genre sur qui Q avait été – et devenait – après des décennies dans le secteur de la musique, avec tout le monde, de Big Daddy Kane à Ella Fitzgerald, jouant avec leur mentor sur des morceaux touchés par le hip-hop moderne et le New Jack Swing. Laissez le plus vieux copain de Jones, Ray Charles – avec l’aide délicieuse de Chaka Khan – façonner un tube R&B outrageusement enjoué à partir d’un morceau écrit par les Brothers Johnson. En récompense de ce mélange de musicalité, « Back on the Block » a remporté le prix Grammy de l’album de l’année 1991.
Queen Latifah, Nancy Wilson et Töne Löc – « Cool Joe, Mean Joe (Killer Joe) » (1995)
L’album d’artiste de Jones de 1995, « Q’s Jook Joint », a une sensation similaire à « Back on the Block », mais s’appuie davantage sur les racines du producteur dans le jazz et le bop. Quelle meilleure façon de célébrer ce retour que de reconfigurer l’hymne national du bop, « Killer Joe » de Benny Golson, en un morceau hip hop big band riche en mélodies, avec la divine Nancy Wilson, le bourru Töne Löc et le Reine elle-même. C’est Q à son plus grand magistral en fin de vie.
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