La maison de commerce d’Amsterdam : Amanda Means (1945, NY) (images 1-3)
Amanda veut dire est connue pour ses tirages argentiques en noir et blanc, d’une grande matérialité. Les projections de lumière virtuoses de Means sans appareil photo, en projetant physiquement la lumière sur le papier en développement, donnent naissance à sa technique d’impression évocatrice et magistrale. Le résultat est une présentation lumineuse d’objets du quotidien, tels que des ampoules électriques et des verres d’eau, dans un gros plan en série inattendu. Lauréate de la bourse Guggenheim 2017 pour ses contributions à la photographie contemporaine, l’œuvre de Means est incluse dans de nombreuses collections de musées, notamment le Whitney Museum, le San Francisco Museum of Modern Art, le Cleveland Museum of Art et le Los Angeles County Museum of Art, entre autres. Après avoir vécu à New York pendant 35 ans, elle s’est installée à Beacon, NY en 2007.
La Maison du Marchand
1016 BV Amsterdam
www.merchanthouse.nl
CECI N’EST PAS UN FANTAISIE Melbourne, Victoria, Australie : Ellen Dahl (Norvège/Australie) (images 4-6)
La pratique artistique deEllen Dahl est en grande partie ancrée dans le travail avec ou autour du paysage. Le concept de l’implication intrinsèque de la photographie dans la façon dont nous voyons et expérimentons le monde qui nous entoure est à la base de ses projets. Elle explore continuellement la portée élargie du médium photographique et son potentiel à engager de nouvelles manières critiques, poétiques et esthétiques d’assembler le sens écologique et l’imagination géologique. Elle s’intéresse également à la relation du médium au temps et explore souvent ce travail à travers la photographie, la vidéo et l’image fixe, le son et l’installation.
Dahl est constamment attirée par le concept d’île et de lieux situés aux confins du monde, revenant souvent aux périphéries nord/sud du nord de la Norvège et de la Tasmanie. Cherchant à saisir le sentiment accru de liminalité et de limite souvent ressenti sur ces sites, son travail est conceptuellement soutenu par l’inquiétude autour de la condition anthropique et l’ambiguïté qui en résulte du chevauchement des échelles de temps humaines et géologiques.
CE N’EST PAS UN FANTAISIE
Melbourne, Victoria, Australie
www.thisisnofantasy.com
Galerie THK Le Cap : Barry Salzman, Nicola Brandt, Trevor Stuurman
Barry Salzman (Zimbabwe/États-Unis/Afrique du Sud) 1963 (images 7-9)
Barry Salzman est né au Zimbabwe et a fait ses études en Afrique du Sud. Il a émigré aux États-Unis à l’âge de 21 ans. Après une première carrière commerciale, il a commencé à travailler comme artiste à plein temps. Son intérêt pour la photographie a été suscité lorsqu’il a été amené, à l’adolescence, à documenter les zones de ségrégation raciale sous l’apartheid, afin de comprendre l’inégalité raciale qui l’entourait. Aujourd’hui, son travail continue d’explorer des questions sociales, politiques et économiques difficiles, notamment la lassitude universelle croissante autour du récit de l’Holocauste, l’érosion du rêve américain et la complicité de la société dans la récurrence des génocides modernes.
Depuis 2014, Salzman travaille sur des projets qui abordent le traumatisme et la mémoire, souvent en lien avec la récurrence du génocide. Il s’intéresse particulièrement à notre rôle de témoins publics – « ce que nous voyons lorsque nous regardons ». Son travail représente souvent des paysages abstraits, réalisés sur des sites de génocide, qu’il représente littéralement et métaphoriquement pour réfléchir au traumatisme et à la guérison. Bien que les images soient prises dans des lieux précis où des actes de génocide ont eu lieu, son utilisation des outils visuels de l’abstraction nous rappelle que « cet endroit » peut être « n’importe quel endroit ».
Nicola Brandt (Namibie/Allemagne/Afrique du Sud) 1983 (images 10-12)
Nicolas Brandt est une artiste multidisciplinaire connue pour ses photographies à grande échelle, ses œuvres vidéo et ses installations qui abordent les thèmes du pouvoir, de la mémoire, du désir et de la position. Membre d’une génération émergente d’artistes dans son pays natal, Brandt est devenue célèbre pour son approche nouvelle et critique du lieu et du paysage et pour son examen décolonial de l’histoire coloniale allemande et de son travail commémoratif. Son travail met en avant l’idée que le lieu et l’identité sont mutuellement constitués et influencés par des facteurs environnementaux, sociaux et politiques. Elle s’intéresse à la manière dont ces expériences et ces effets peuvent être communiqués par des pratiques documentaires et des performances élargies.
Mettant en œuvre l’idée selon laquelle l’art peut faciliter le dialogue interculturel et le changement social, son travail a été présenté lors de discussions intergouvernementales entre la Namibie et l’Allemagne en 2015 et a été exposé au Congrès Nama et Herero à Hambourg, en Allemagne, en 2018.
Trevor Stuurman (Afrique du Sud) 1992 (images 13-15)
Trevor Stuurman est un artiste visuel multimédia contemporain qui voit le monde à travers son prisme créatif et trouve la beauté dans ce qui lui rappelle son pays d’origine – un lieu imprégné de couleurs, d’amour et d’appartenance qui reflète l’Afrique. Explorateur chevronné, il cite les voyages comme sa principale Source d’inspiration. « Plus je quitte mon pays, plus je me rends compte de la puissance et de l’importance de mon pays. Je pense que cela fait de moi un meilleur conteur car je suis capable de trouver des éléments de chez moi partout où je vais et de créer des produits tangibles. » Ce sentiment d’appartenance l’a inspiré à organiser sa première exposition personnelle intitulée « Home », une lettre d’amour aux femmes Himba de Namibie, qui a été présentée avec succès à la Hazard Gallery de Johannesburg
Il travaille avec des fondations humanitaires internationales, dont les Nations Unies, la Fondation Gates et la Fondation Auma Obama, qui documente l’ancien président américain Barack Obama. Décrit comme une « force culturelle » par l’émission African Voices de CNN, Trevor continue de perfectionner son œil créatif et ses centres de beauté et de mode. Il n’est pas étonnant qu’il pense que « le fait d’être africain est son super pouvoir ».
Merci Galerie
Le Cap, 8001, Afrique du Sud
www.thkgallery.com
Urbanek Londres : Maciej Urbanek (Pologne/USA/Royaume-Uni)1979 (images 16-18)
La pratique deUrbain analyse les fondements théoriques et philosophiques de la photographie. L’accent est mis sur la relation entre la photographie et la réalité. Les œuvres d’Urbanek présentées à Unseen 2024 visent à montrer la nature problématique et complexe de cette relation. Les quatre œuvres présentées à la foire vont d’une image photographique « droite » et non manipulée (Open Forms) à une construction photographique hautement manipulée, multicouche et construite (Sun.Flower), en passant par des œuvres fusionnant des positifs et des négatifs photographiques (White Lies et Brotherly Love). Ces trois traitements distincts visent à ébranler la confiance dans la photographie et la croyance que ce médium est capable de représenter fidèlement le monde dans lequel nous vivons. L’artiste prend le quotidien et le banal et les transforme en un spectacle visuel – le feu, l’eau, la forêt, les sacs poubelles sont omniprésents et nous entourent chaque jour sans que nous les remarquions – l’artiste les présente comme ayant une qualité élémentaire, presque magique, et laisse le spectateur les percevoir comme des merveilles extraordinaires.
URBANE
SE21 8QR Londres
https://urbanekgallery.co.uk/
Projets artistiques VF Espagne et Luxembourg : Hugo Aveta, Dionisio Gonzales
Hugo Aveta (Argentine) 1965 (images 19-21)
Artiste argentin de renommée internationale, il a d’abord étudié le cinéma et l’architecture, avant de se consacrer à la photographie. De nombreuses œuvres de cet artiste multimédia évoquent des souvenirs et des situations difficiles vécues par son pays. À travers la photographie et le cinéma, il aborde également les thèmes plus universels de la mémoire et de sa transmission. Aveta est également fasciné par la matière et les lignes de faille. Son travail évoque des forces en lutte, des incertitudes, des risques, des échecs, mais aussi des rêves et des espoirs fragiles et ébranlés, mais toujours debout. Ses expositions les plus récentes ont été « Invisible Gods » au Museo Inmigrantes de Buenos Aires, en Argentine ; « La fascination de la faille » au Palais Kuzzam en Arabie Saoudite, et « La fascination de la faille » au MACVAL, musée d’art contemporain de Paris, en France. Son travail a été exposé dans les institutions les plus renommées.
Dionisio Gonzales (Espagne) 1965 (22-24)
Artiste plasticien de renommée internationale, dont le travail explore de manière ciblée les problèmes de logement rencontrés par l’architecture vernaculaire et irrégulière, ainsi que les grandes utopies constructives de l’après-guerre, qui ont échoué. En bref, ces architectures exposées à l’effondrement et au flou. Son travail a été exposé dans les institutions et musées les plus reconnus au monde
Projets artistiques VF
Espagne & Luxembourg (2 locations)
www.vfprojects.com
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